domingo, 24 de noviembre de 2013

Foto
Cantaor frustrado  “Mi timidez eligió la guitarra”, confiesa  Paco de Lucía./EFEAmpliar

Cantaor frustrado  “Mi timidez eligió la guitarra”, confiesa Paco de Lucía./EFE

Cantaor frustrado  “Mi timidez eligió la guitarra”, confiesa Paco de Lucía./EFE

del corazón”


El genial guitarrista presentará en Buenos Aires su disco “Live”. Antes, habló con Clarín sobre la importancia que les da a los momentos en familia. Y se dedicó a revalorizar la intuición por sobre la técnica en la música.


11.11.2013
“Me di cuenta que la pureza estriba en el corazón; la pureza del flamenco está dentro de cada uno; la pureza es libertad”, dijo Francisco Sánchez Gómez, conocido como Paco de Lucía, al referirse a su música.
Su tono es cálido, amigable y se diría que con tanto mundo ha perdido su acento español. Un músico virtuoso sin pedantería y con una clara conciencia de hacia dónde corre la vida. “La música es mi vida, pero mi familia también”, dice a Clarín durante la charla telefónica.
Se lo ve muy cerca de su familia. Incluso, sus hijos lo acompañan en la gira.


Paso todo el tiempo que puedo con ellos. Sucede que los especialistas (sic), los que vivimos de alguna manera obsesionados con algo, enfermos por nuestra vocación o gustos, descuidamos a la familia y hacemos una vida alejada de ella porque buscamos algo que nos sorprenda y que sorprenda al mundo, y nos perdemos de estar con ellos, disfrutar esos momentos, de viajar a sitios donde sentirnos bien en familia.
“A los doce años me fui de Algeciras para Madrid y allí viví muchos años; luego comencé a viajar mucho a México, donde tengo una casa en una playa del Caribe, me gusta mucho el buceo y ese era un lugar hermoso y cómodo y fue en ese país que conocí a mi segunda esposa, Gabriela, con quien tengo dos hijos: Antonia, de 12 y Diego, de 7, que nacieron en México y que me están acompañando. Vivimos en México y fui verdaderamente feliz, pero la situación se fue poniendo cada vez más complicada, con secuestros y violencia, así que nos mudamos a Mallorca, donde residimos ahora. Aprendí a disfrutar de mi familia; la experiencia me ayudó a ver mejor lo que es importante para mis seres queridos”, agrega este músico que trae como argumento de gira su disco Live, un álbum doble grabado en vivo en diferentes escenarios durante su gira de 2010, con un puñado de composiciones originales magistralmente interpretadas.
Para los dos conciertos en Buenos Aires se presentará en octeto con Antonio Sánchez, su sobrino, en guitarra, Antonio Serrano en armónica y teclados, Alain Pérez en bajo eléctrico, “El Piraña” (Israel Suárez) en percusión, Antonio “Farru” Fernández en baile y los cantaores David Maldonado y Antonio Flores.
En la actualidad la guitarra de Paco tiene más peso en su sonido y más prudencia en sus aceleraciones. Se podría decir que su técnica y flamencura van de la mano.
¿Cómo concibe la técnica en la música?


La línea es muy delgada entre la técnica y el corazón. Estudiar exhaustivamente armonía, intelectualizar la música no es recomendable. Sí conocerla, pero también tener en cuenta el matiz, estar con el instrumento, disfrutarlo y desafiarse uno mismo. Vengo de Cuba (el 2 de octubre inició su gira en La Habana) y, por ejemplo, los pianistas jóvenes se comen el instrumento, pero cuando se les pide un “tumbaito” de esos que suenan en la calle no lo tocan bien, no lo saben, y la intuición está muy tapada de teoría. Estoy en Brasil y lo mismo sucede con los percusionistas, tocan percusión como en Nueva York. Cuba y Brasil tienen un folklore enorme y así se pierde poco a poco lo propio. Como decía Machado, para ser universal tienes que reflejar tu pueblo, hablar de lo propio. Tocar con tanta técnica y tanto estudio de la armonía termina haciendo sonar a todos igual, y los artistas queremos dejar nuestro trazo; que se escuche un andar y digan es tal o cual , y te lo dice alguien que estudió duro. Hablo de música de raíz, de la emoción de saberla transmitir, eso no puede faltar. La técnica ayuda, pero no debe ir delante de la música.
Para el artista, la técnica puede hacer perder matiz a la música. “Si se la piensa demasiado, la espontaneidad quedará de lado y con ella la sorpresa, el disfrute, porque si todo se sabe de antemano se vuelve rutina, no creación. Cuando no sabes qué hacer es la intuición la que toma las riendas de la música y ese momento es soñado”, dijo este guitarrista de toque único y sentimiento profundo.
Por cierto, todo esto viene de quien fue nombrado en mayo de 2010, Doctor Honoris Causa por la escuela Berklee de Boston. Una herejía.
¿La tradición es suficiente para tener encendida la imaginación?


Necesitaría dos vidas para expresar todo lo que me transmite el flamenco. Su espíritu, su emocionalidad tan entera. No es una música que pueda explicar un conservatorio y decir: ‘esto está bien y así se toca’. Mi experiencia me dice que no es así, me dice que no siempre se sabe cómo se sigue y entonces hay que inventarlo; tocar sin saber con certeza el camino. No hay dudas: el flamenco necesita del corazón.
¿Eso de inventar el camino le trajo críticas?


Sí, en mis orígenes recibí críticas de los puristas del género, pero pudo más el corazón y el propio devenir del flamenco. ¿Puristas? Diría talibanes, no nos dejaban mover y eso va contra la vida misma. La tradición del flamenco es fuerte y sus emociones también.
¿Se sigue sintiendo un cantaor frustrado?


(Sonríe) Bueno, qué puedo decir a esta altura. Esto ya lo he contado. Era un niño muy tímido, pero muy tímido. Yo quería cantar, eso era lo que quería, pero cantar era poner la cara y tocar la guitarra era esconderme tras ella. Mi timidez eligió la guitarra.
¿Lo que me contó sobre su familia hace que viaje menos?


Ya no tengo tantos deseos de hacer viajes largos, le tomé idea al avión; no sé, son los años y antes de que me ponga más viejo decidí hacer esta gira.
Paco fue decididamente un innovador, un músico revolucionario que llegó a sentir miedo cuando se dio cuenta de que cambiaba con relativa frecuencia su forma de tocar, hasta que se convenció de que hiciese lo que hiciese su sonido permanecería siempre flamenco. Desde aquellos años, su guitarra suena espontánea, con esa libertad integrada a la pureza y solos como soles que parecen nacer del centro de la Tierra para subir al cielo y todo aprendido a fuerza de intuición.

viernes, 22 de noviembre de 2013

Francis Bacon supera todos los récords en una subasta de arte

"Tres estudios de Lucian Freud", de Francis Bacon
Una pintura de Francis Bacon de su amigo y también artista Lucian Freud se ha convertido en la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta con un precio de US$142 millones en Nueva York.
El tríptico, "Tres estudios de Lucian Freud" (1969), es considerado una de las obras maestras de Bacon.

El precio eclipsó los US$119,9 millones pagados el año pasado por "El Grito", de Edvard Munch.Fue vendido en sólo seis minutos tras una puja feroz, dijo la casa de subastas Christie's.
La casa de subastas no reveló la identidad del comprador, que hizo su oferta por teléfono.

Obra maestra

El británico de origen irlandés Bacon, conocido por sus trípticos, pintó "Tres Estudios de Lucian Freud" en el Royal College of Artde Londres, después de que su estudio fuera destruido por un incendio.
Francis Outred, director de Arte Contemporáneo y de la Posguerra en Europa de Christie's, dijo que el trabajo es "una verdadera obra maestra y una de las pinturas más importantes subastadas en la generación actual".
"Tres estudios de Lucian Freud"
Los tres paneles que forman la pintura fueron separaros a mediados de la década de 1970.
"Marca la relación entre Bacon y Freud, y rinde homenaje a la afinidad creativa y emocional entre los dos artistas", agregó el experto.
Ambos artistas se conocieron en 1945 y se convirtieron en compañeros cercanos, pintándose el uno al otro en varias ocasiones, antes de que su relación se enfriara durante la década de 1970.
Expuestos en el Grand Palais de París en 1971-1972, los tres paneles que forman la pintura fueron separados a mediados de los 70.
Uno de ellos fue exhibido en la galería Tate de Londres en 1985, antes de que las tres secciones volvieran a unirse.
La obra completa volvió a ser vista en New Haven, Connecticut, en 1999.
En Reino Unido, el público pudo apreciar por primera vez el tríptico en Christie's, en octubre de este año.

martes, 19 de noviembre de 2013

El grito de Munch y la pasión por el arte de la angustia

El Grito
Bajo un cielo como un remolino, y de color rojo sangre, una figura solitaria en un puente sujeta firmemente su cabeza en las manos y grita en señal de desespero.
Es un retrato caótico y atormentado de la ansiedad y la desesperanza y, definitivamente, no una imagen que uno espera encontrarse en tazas, calendarios y afiches en hogares alrededor del mundo.

Se espera que en mayo, cuando se subaste en Nueva York una de las cuatro versiones que Munch hizo de El grito, la obra recaude unos US$80 millones, lo que la convertiría en una de las piezas de arte más costosas del mundo.
Y sin embargo El grito, la forma profundamente personal con que Edvard Munch canalizó su propia psiquis atormentada, se ha convertido en una de las imágenes más conocidas del arte moderno, sin mencionar que también ha sido el blanco de varios robos de alto perfil.
Pero si bien la fama de El grito es innegable, su ubicuidad y su popularidad son, al menos a grandes rasgos, más difíciles de explicar.

Desconsuelo y angustia

Después de todo, un icono de la miseria y la desesperación rara vez se usa como decoración en una sala común y corriente.
No obstante, dado que tantas producciones han asegurado que de pronto sólo la Mona Lisa sea más reconocida a primera vista, es difícil evitar la conclusión que millones de personas se sienten atraídas por descubrir la angustia representada en El grito.
Por supuesto, no sólo el arte visual es capaz de producir representaciones inmensamente populares del abatimiento.

La obra más famosa de Munch

  • El artista noruego Munch (1863-1944) realizó cuatro versiones de El Grito.
  • Dos de ellos han sido robados y recuperados, uno en 1994 y el otro en 2004.
  • La única versión que permanece en manos privadas -pintada en pastel, que data de 1895- será subastada en mayo.
  • La obra representa la "angustia existencial del hombre moderno y la desesperación", según lo señala el Museo Munch de Oslo.
  • Much, marcado e influenciado por la temprana muerte de su madre y hermana, sufrió una grave crisis en 1908-09.
  • El mismo Munch vendió litografías de El Grito, una obra que hoy adorna tazas de café, juguetes inflables, pancartas de protesta e incluso los protectores del iPad.
Directores como Ken Loach y David Cronenberg nunca podrían haber consumado sus largas carreras si las audiencias sólo se interesaran en historias optimistas y rechazaran las deprimentes.
Tampoco habrían resistido tanto tiempo grandes obras de la literatura como Hamlet, de Shakespeare, o Jude the Obscure, de Thomas Hardy.
El canon completo de la música popular estaría perdido sin la desolación y la angustia, un hecho que es descrito por el narrador de Nick Hornby en su novela High Fidelity:
"A las personas les preocupa ver niños jugando con armas y adolescentes viendo videos violentos...nadie se preocupa porque los niños escuchen miles -literalmente miles- de canciones sobre corazones rotos y rechazo y dolor y miseria y pérdida".
Y como una buena canción de pop, El grito es brillante, intenso y se le reconoce fácilmente.

Catarsis

De acuerdo con David Jackson, profesor de historias de arte rusas y escandinavas en la Universidad de Leeds, en Inglaterra, estas cualidades les permiten a personas con poco conocimiento del arte expresionista relacionarse con lo que fue, cuando se reveló por primera vez, una obra vanguardista.
"Es bastante catártica", dice. "Todos se sienten identificados. Todos nos hemos sentido solos y desesperados en algún momento de nuestras vidas".
"Creo que esta obsesión por observar cosas que nos molesten es una parte fundamental de la condición humana. Si usted va a algunas librerías encontrará todos estos libros en venta sobre niños abusados. Todo el mito y la industria alrededor de Vincent van Gogh están basados en lo mismo".
Obra de Francis Bacon
El Grito influenció la obra del pintor irlandés Francis Bacon.
De pronto por esta razón, la influencia de El grito en el arte moderno ha sido considerable, como se puede notar en la serie de papas que gritan de Francis Bacon, el Guernica de Picasso y, por supuesto, las estampaciones de seda del trabajo de Munch, por Andy Warhol.
La cultura popular ha abrazado esta iconografía, desde la máscara en las películas Scream, de Wes Craven, hasta los villanos alienígenas The Silence, en Doctor Who -basados en la obra de Munch-.
El propio Munch fue el primero que produjo esta imagen en grandes cantidades. Creó cuatro versiones -dos pinturas y dos con una técnica de pastel- entre 1893 y 1910, además de una litografía.
Pero no todos en el mundo del arte están felices con su ubicuidad.

"Infantil"

Rachel Campbell-Johnston, crítico de arte en el periódico The Times, no es muy aficionada.
La popularidad de El grito, cree, proviene de una tendencia que entiende formas de arte descritas de antemano con adjetivos como "tenso", "oscuro" y "perturbador" como superiores a aquellas que son ligeras y alegres.

Will Gompertz, editor de arte de la BBC

Munch la oscuridad de Escandinavia, el alma atormentada, y lo hace mucho antes que la película The Killing, el escritor Stieg Larsson y el personaje Kurt Wallander de Henning Mankell.

Su tierra natal, Noruega, lo traumatizó. Un día de paseo, el sol se ocultó y el cielo "se puso rojo como la sangre". Sus compañeros caminaron y dejaron a Munch a solas con su vívida imaginación. Estaba atrapado, temblando de miedo, sintiéndose "como si toda la naturaleza se llenara con un grito poderoso sin fin".

El Grito inmortaliza un momento de horror existencial, en una imagen que infunde terror en el corazón de cualquier espectador. Se revela una verdad terrible de la condición humana: no podemos escapar de nuestra ansiedad interna, es el precio que pagamos por la conciencia.

Munch no fue bendecido con la felicidad. Perdió a su madre y hermana debido a la tuberculosis cuando aún era un niño. Al principio fue totalmente incapaz de expresarse como artista, hasta que visitó París en la década de 1890 y fue expuesto a la obra del recientemente fallecido Vincent van Gogh.

Pronto él también distorsionaría imágenes y las convertitía en formas retorcidas, usando el estilo expresionista inventado por el genio holandés. Un par de años más tarde nació El Grito, una imagen icónica que influyó en los proveedores de horror: desde Alfred Hitchcock hasta Francis Bacon.
De hecho, ella hace una analogía con un adolescente que escucha música alterada y depresiva en su habitación antes de aprender, a medida que crece, a apreciar un compositor como Bob Dylan, que maneja emociones más sutiles y complejas.
"El Grito es casi infantil en su franqueza", dice. "Lo que uno recibe de ese cuadro no es algo que se vuelva más profundo con el tiempo".
"Es llamativo para un gusto inmaduro. A medida que uno crece, uno quiere algo diferente: un arte que transforma el día a día y no el que va a los extremos de las emociones humanas".
Lo que no está en duda es que las emociones expresadas por Munch en su serie de El grito son totalmente auténticas. Atormentado por pensamientos sobre el suicidio y agobiado por una tragedia familiar, el desespero reflejado en la obra de arte es el desespero propio del artista.
Para Sue Prideaux, autora de una biografía de Munch, es imposible ignorar el contexto más amplio de la imagen: una sensación extendida de desasosiego durante el final del siglo XIX, cuando las obras de Darwin y Nietzsche carcomieron viejas costumbres y tipos de fe.
Fue la habilidad de Munch para combinar lo puramente personal con lo universal lo que hace que su obra más famosa haya perdurado, dice.
"Los sentimientos expresados en la obra fueron extremadamente subjetivos de parte de Munch", asegura.
"Pero como ese cráneo tiene esencialmente las características de cualquiera, todos podemos proyectar nuestros sentimientos en él".
Sin embargo, hay evidencia que sugiere que el vínculo extendido hacia el arte que transmite sentimientos de desespero y horror es más que simplemente una preferencia estética.
El sicólogo Eugene McSorley, de la universidad de Reading, en Reino Unido, ha realizado estudios que rastrean los movimientos de los ojos de las personas cuando se les muestran imágenes desagradables, como víctimas de hambrunas, personas con heridas de bala, cadáveres.
"Parece muy difícil que las personas repriman o ignoren estas imágenes", dice McSorley. "Les parece muy difícil no mover sus ojos hacia ellas".
"Se podría especular que esto nos da una ventaja evolutiva para detectar cosas que nos van a herir o matar. O se podría argumentar que estas emociones básicas son más fáciles de reconocer que otras que son más complejas".
Tal conclusión es combustible para los críticos que se lamentan de la falta de sutileza de El grito, así como para aficionados que celebran su universalidad catártica.
Más allá del bando en el que usted caiga, es irrefutable que ese llanto de la figura esquelética continúa vigente en la imaginación popular.

domingo, 10 de noviembre de 2013

Mi último libro, que recomiendo especialmente.

"SELECCIÓN DE CUENTOS Y MINI CUENTOS"




RESEÑA: 


En el presente libro, encontrarán una selección de cuentos y mini cuentos, 
quise ofrecérselos en un sólo tomo. 

Lo entrego con la idea de poder compartir con cada uno de ustedes, aquellos 
que considero por su narrativa, prosa poética, humor o contenido, como los 
más representativos hasta el momento. 

Quienes ya me conocen, saben bien que me agrada mezclar géneros en una 
suerte de pot pourri colorido, fresco y cambiante. Es así que hallarán relatos y cuentos sobrenaturales, de humor negro o absurdo, de realismo mágico, de 
amor, crímenes, algunos con fino erotismo o irreverentes,  y otros cuya prosa 
poética los distingue. 

Mi idea es que disfruten del libro y que más adelante lo hojeen, porque 
siempre encontrarán en él algo diferente y especial. 
  • Tina Reflecting - Leigh Ledare12.04.2013 | ENTREVISTA

Arte “incómodo”: un fotógrafo retrató la vida

 

sexual de su madre

El provocador artista es el estadounidense Leigh Ledare y la fotografiada es Tina Peterson, ex bailarina de danza clásica y actual experta en striptease. Con su trabajo, intenta explorar de qué manera nuestras reacciones y sensaciones frente a algo están construidas socialmente. Hablamos con él.
 
sdiazvirzi@agea.com.ar / @sabridiaz
Imagen de la exposición de Leigh Ledare en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. 2013. Foto: Anders Sune Berg.Imagen de la exposición de Leigh Ledare en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. 2013. Foto: Anders Sune Berg.Imagen de la exposición de Leigh Ledare en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. 2013. Foto: Anders Sune Berg.Imagen de la exposición de Leigh Ledare en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. 2013. Foto: Anders Sune Berg.Imagen de la exposición de Leigh Ledare en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague. 2013. Foto: Anders Sune Berg.
Fotografía de Leigh LedareMom with Mask - Leigh LedareMom and me on bed (frontal), por Leigh Ledare. 2006.Tina Reflecting - Leigh LedareMom with Mask - Leigh LedarePersonal Comissions: "Let the Good Times Roll. 1 Blond, 53 yrs old, curvey, buxom, slim, clean, petite. No diseases or drugs. Seeking healthy, honest reliable, financially secure younger man for discreet sensual fun. Ext# 1084". Por Leigh Ledare. 2008.Alma, por Leigh Ledare. 2012.Mom sunning in fur - Leigh LedareMom's Profile in Seventeen Magazine. 1966. Leigh Ledare.Mother and son relationship - Leigh Ledare
Desde Playboy a Bailando por un Sueño, la exposición de cuerpos desnudos o con poca ropa ya no sorprende. Al contrario, se exhiben y se multiplican. Pero, en su mayoría, son cuerpos despojados de su historia, de sus vínculos. Son cuerpos para mirar sin preguntarse nada. Leigh Ledare retrató durante 8 años a Tina Peterson (antes, experta en danza clásica; hoy, bailarina de striptease) mientras tenía sexo con amantes más jóvenes. Un detalle por fuera de las fotografías: Leigh es el hijo de Tina.
El provocador artista estadounidense explora el impacto que genera en el espectador la inclusión de la identidad y las relaciones en el arte. ¿Es lo mismo que esa mujer sea (su) madre? ¿La sexualidad de los padres es un tema tabú? Con un solo dato estas fotos pasan de ser (simplemente) pornográficas a rozar el incesto.
La lente del fotógrafo supone cierta “distancia” de la situación retratada pero, en este trabajo, es imposible ver las imágenes sin vincular ambas partes (fotógrafo y fotografiada), porque es justamente eso lo que escandaliza: el vínculo. “Nos definimos a través de nuestras relaciones”, dice Ledare a Entremujeres vía mail. “Si una fotografía o un objeto (por ejemplo, un regalo) llevan una carga emocional que sugiere cómo deberíamos responder en relación a ellos (por ejemplo, con deseo o repulsión a una imagen pornográfica), al mostrar cómo las imágenes encajan en las redes de relaciones sociales me interesa revelar cómo nuestras respuestas están construidas socialmente”.
Una de las imágenes fue terminada con la colaboración de una niña de tres años, a la que le pidió que dibujase con crayones sobre una foto de su madre desnuda. Según el fotógrafo, la nena era aun demasiado chica para comprender el erotismo de la imagen. Esta acción dejaría en evidencia, una vez más, la construcción social del punto de vista y obliga al espectador a ver en un mismo plano la desnudez y los trazos coloridos de inocencia, es decir, está obligado a “ver” lo que el niño no.
El fotógrafo, de 35 años, asegura que no se esfuerza en buscar sensacionalismo. “Lo veo como una forma de revelar cosas cuya existencia tendemos a reprimir o negar. A través de la intimidad del trabajo, intento colocar las preguntas más universales en el espectador más que en el trabajo”.

Un espectador incómodo
Leigh, admirador del fotógrafo y director de cine estadounidense Larry Clark, deja al espectador solo con sus prejuicios y subjetividades. Lo provoca, pero para que se cuestione sus propios ideales y convenciones y repase cuál es el significado que él le aporta al trabajo del fotógrafo con su mirada y sus sensaciones. “Tal vez molesto a algunas personas, pero creo que es un fiel reflejo de la vida y las relaciones. Las cosas no son blancas o negras: no pretendo presentar algo resuelto. La intención es presentar estas contradictorias demandas sociales impuestas a las personas”, explica.
Y agrega en una de sus extensas y sesudas respuestas: “Es una descripción del mundo en que vivimos. Esto puede ser confuso: no hay límites claros, ni existen categorías claras de lo que está bien y mal. Por el contrario, la obra pone en juego y cuestiona los supuestos categóricos acerca de cómo debemos comportarnos. Yo diría que la vulnerabilidad del material no yace necesariamente en el acto de las propias fotografías, sino en el hecho de hacerlas públicas”.
“Una de las cosas que trato de poner en primer plano con esta obra es la ambivalencia que existe en torno a revelar la intimidad, porque quiénes somos en la sociedad es, a menudo, definido en términos estrictos (especialmente en relación con el género, la clase, la edad y la forma en que se espera que nos comportemos). Al introducir la ambigüedad en los limitados roles que la cultura nos permite, el arte puede plantear cuestiones en torno a temas que, de otra forma, existen en una especie de punto ciego cultural”.
En este sentido, desde Argentina, la fotógrafa Julia Ramos, directora de Holbox Photo Gallery, opina que el hecho de “observar es subjetivo. Cuando miramos fotografía, nuestra reacción ante lo que vemos es de uno y de nadie más. El trabajo de Ledare puede gustar o no, pero como propuesta me parece sumamente interesante. Algunos lo considerarán provocativo, incestuoso, desagradable… Y otros no. Es un trabajo en el cual se puede ver que hay una postura, un punto de vista y un desarrollo riguroso del tema”.

Prolífico provocador
Antes de volcarse de lleno a la fotografía, Ledare se interesó en la psicología, la sociología, la literatura y el cine. Consultado por su opinión sobre la noción freudiana del complejo de Edipo y su vinculación con su obra, explicó que no cree que el poder de su trabajo provenga de una ilustración de sus ideas. “Pueden jugar con ellas pero, en cierto modo, el análisis de Freud es una gran ficción, una fórmula que tiene alguna aplicación pero un montón de limitaciones”.
Por estos días y hasta el 12 de mayo, el artista protagoniza su primera retrospectiva europea, en el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague, en Dinamarca. La exhibición incluye fotografías como las que acompañan este artículo y otras de alto voltaje. Esta no es la única serie en la que eligió ponerse en una situación incómoda: para hacer Double Bind (Dobre Vínculo), viajó un par de días con su ex mujer y fotografió el reencuentro; dos meses después, le pidió a ella que repitiera la experiencia… Pero con su nuevo marido. Hastío, en un caso; ilusión, en el otro. Otra vez, los vínculos sobresalen de la imagen. E invaden al espectador, para que éste haga lo que sienta. O lo que pueda.

viernes, 8 de noviembre de 2013

¡MUY BUENOS LIBROS CON GRANDES DESCUENTOS!

ESTÁN A LA VENTA TODOS MIS LIBROS EN AMAZON.COM, AMAZON DE ESPAÑA, AMAZON DE MÉXICO Y DEMÁS PAÍSES. APROVECHE ESTA PROMOCIÓN CON IMPORTANTES DESCUENTOS POR SÓLO SIETE DÍAS!!!

LISTA DE LIBROS: 



POEMAS DE AMOR Y TANGO

Product Details

CUENTOS DE CANELA Y MIEL

Product Details


MÁS CUENTOS PARA LEER TOMANDO UNA TAZA DE CHOCOLATE 
Product Details

HISTORIAS APASIONADAS DE OTROS TIEMPOS

Product Details

viernes, 1 de noviembre de 2013


Buenos Aires Photo trae la mejor fotografía a la ciudad

Desde el viernes, el Centro Cultural Recoleta será escenario de una de las ferias de arte especializadas más importantes de América latina
Desde este viernes la ciudad será sede de una de las más importantes ferias de arte especializadas en fotografía que se realiza en América latina, Buenos Aires Photo, quereunirá en el Centro Cultural Recoleta a más de 30 galerías.
Además, se presentará la 8a. edición del Premio Petrobras Buenos Aires Photo, que este año será por invitación. El jurado que elegirá a los 25 participantes está conformado por Valeria González, Luis González Palma y Rodrigo Alonso. El premio se dará a conocer el jueves, a las 20, en el espacio de Petrobras y el ganador se llevará $ 25.000.
Una de las grandes atracciones será el Espacio LA NACION, que presentará en esta oportunidad una muestra de tres representantes destacados de la fotografía documental argentina con la curaduría de Daniel Merle: Alejandro Chaskielberg, Rodrigo Abd y Sebastián Szyd.
Pero este año esperan muchas novedades a los visitantes. Una de ellas será el programa denominado Petrobras Foto Libre, en el que el público podrá participar el sábado próximo llevando una foto que será exhibida en el contexto de esta iniciativa.
Por otra parte, los más chicos tendrán un espacio especialmente pensado para ellos: un concurso de fotografía en el que el eje central es "el aire libre", y en el que podrán participar niños de entre 6 y 12 años.
Además, American Express homenajeará a dos de los fotógrafos más importantes de la Argentina. Curada por Rodrigo Alonso y con la ciudad de Buenos Aires como tema central, una muestra conjunta de Sara Facio y Aldo Sessa repasará sus más de 50 años de trabajo en la fotografía.
En tanto, el Paseo de las Artes del Palacio Duhau - Park Hyatt Buenos Aires será nuevamente escenario de una de las exposiciones paralelas junto a la artista Andrea Juan. La muestra permanecerá abierta durante las 24 horas, los siete días de la semana, con acceso libre por avenida Alvear 1661.
También como en ediciones anteriores, Chandon comprará a puertas cerradas la primera obra de la feria, que luego incorporará a su colección de arte contemporáneo.
Sin dudas, uno de los clásicos de Buenos Aires Photo es el Espacio Joven OSDE NEO. Allí, nuevamente, el crítico Julio Sánchez presentará una selección de jóvenes fotógrafos emergentes. Mientras que el Espacio de Video Arte Rabobank transformará la sala 6 del Centro Cultural Recoleta en un espacio preparado para el video arte.
Entre las propuestas internacionales, en el Espacio Distrito Arcos, ubicado en la sala 12, se expondrá la obra del reconocido artista boliviano Gastón Ugalde.
Y la Fundación Deloitte presentará en su espacio una muestra con los artistas invitados Carola Rousso, Victoria Ruiz y Agustín Haehnel.
La feria contará, además, con propuestas especiales, entre las que se distinguen el espacio Stella Artois, que tendrá como invitado al artista Urko Suaya; la participación de Fundación Banco Ciudad, que presentará los ganadores históricos del premio Gente de mi Ciudad; la propuesta de la Feria de Libros de Fotos de Autor, que invita a editar libros personalizados de fotografía, y el Nano Festival de Fotografía, una propuesta joven y enriquecedora que propone la participación del público en su convocatoria "4 DÍAS en BA Photo" y la presentación de los mejores trabajos de las últimas dos ediciones del festival.
El valor de la entrada es de $ 50 (2x1 con Club LA NACION, American Express y Club Arte al Día).

CUATRO DÍAS A PURO ARTE

Del 1° al 4 de noviembre, de 13 a 21, en Junín 1930
  • Fotografía documental
    El Espacio LA NACION presenta una muestra de Alejandro Chaskielberg, Rodrigo Abd y Sebastián Szyd, curada por Daniel Merle
  • Aldo Sessa y Sara Facio
    Estas figuras de la fotografía serán homenajeadas con una muestra conjunta que abarcará más de 50 años de trabajo
  • Premio Petrobras
    Este año participarán 25 artistas por invitación, y el ganador del premio, dotado de $ 25.000, se conocerá este jueves
  • Para chicos
    Un concurso pensado para niños de 6 a 12 años tendrá como temática "el aire libre"
  • La primera compra
    Como todos los años, Chandon adquirirá la primera obra de la feria, que pasará a integrar su colección de arte