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viernes, 28 de octubre de 2011
Verdi.Nabucco.Va Pensiero.MET.2002
Aunque hayamos oído otras versiones, creo que esta merece la pena:
1) Es el coro del Metropolitan House de New York2) Fijarse desde que posición cantan algunos integrantes, extraordinario!
Comentario de una corista española: Es la escena tal vez más bella de la ópera, los hebreos esclavizados están de rodillas a orillas del Eufrates, en Babilonia, como dice el salmo; su oración fervorosa, su anhelo de libertad, la añoranza de la patria lejana se condensan en la inolvidable escena coral de «Va pensiero sull'ali dórate».
Los mensajes que ocultó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
Por Alfred López
Miguel Ánguel Buonarroti fue uno de los grandes artistas renacentistas que más se prodigó en realizar obras maestras para la Santa Sede. Una de sus obras cumbres fue la que realizó en la bóveda de la Capilla Sixtina por encargo del papa Julio II.
Gran número de expertos en cábalas aseguran que en muchas de las pinturas que Miguel Ángel realizó se encuentran ocultos mensajes sobre sus desencuentros con el pontífice.
La construcción y posterior decoración de la Capilla Sixtina no fue solo una gran obra magna, sino que también representó las continuas disputas y ambiciones personales de los distintos pontífices que ostentaron el cargo a lo largo de los años que duraron las obras.
Fue Sixto IV quien ordenó en 1477 la restauración de la Capilla Magna, dándole a esta su nuevo nombre (Sixtina), pero en los siguientes 30 años, cuatro papas más ostentaron el cargo, querie ndo cada uno de ellos dejar impreso su nombre a través de la historia. De esta manera, se encargó el trabajo de decorar y pintar la capilla a varios artistas de renombre, los más destacados Rafael, Botticelli y Miguel Ángel.
Julio II, quizás el más ambicioso de todos los pontífices que habían participado hasta el momento en el proyecto, quiso modificar la obra para convertirla en un mausoleo dedicado a su persona que incluyera un monumento funerario constituido como la mayor tumba construida desde tiempos de los egipcios.
Esto llevó a continuos desencuentros entre el artista y el papa, por lo que todo parece indicar que Miguel Ángel utilizó sus conocimientos del movimiento neoplatónico surgido en la Florencia de los Medici que tanto molestaba a la Santa Sede.
Miguel Ángel pintó más de 400 personajes entre los años 1508 y 1512. En algunos de ellos escondió y camufló diferentes mensajes en las que hacía un reconocimiento a las raíces judaicas de la religión cristiana. Algunas de estas claves han salido a la luz después de muchísimos años de investigación; Aquí puedes ver las más significativas.
Las disputas con el pontífice le llevaron a realizar la representación del profeta Zacarías, al que le pintó el rostro de Julio II y tras él una pareja de niños.
También podemos encontrar a otro curioso personaje realizando un gesto obsceno: Aminadab, que hacía con sus manos la cornamenta satánica. Este dibujo se encontraba sobre el del papa, por lo que se interpreta que dichos cuernos iban dirigidos hacia él. En el brazo de Aminadab también pintó un círculo amarillo, el símbolo de la vergüenza que los hebreos fueron obligados a llevar.
Algunos comentan que el dibujo de Judit junto a su esclava forma la letra hebrea Chet, de chessed (piedad), raíz fonética de hassidim (judíos observantes). A su vez, otra escena en la que podemos encontrar una letra oculta entre sus protagonistas es la que representa la lucha entre David y el gigante Goliat , formando la letra Ghimel, de gvurá (orgullo).
Muchos son los simbolismos que se dan a las diferentes representaciones del Génesis pintado por Miguel Ángel; lo que no sabremos jamás es hasta qué punto se hicieron con verdadera intención y cuales son la causas directas de las extrañas teorías sin fundamento por parte de los estudiosos respaldados por las pseudociencias.
Fuentes de consulta: latimes / masalladelaciencia
David y Goliat forman la Ghimel, de gvura -orgullo- (Foto: Wikimedia …
La construcción y posterior decoración de la Capilla Sixtina no fue solo una gran obra magna, sino que también representó las continuas disputas y ambiciones personales de los distintos pontífices que ostentaron el cargo a lo largo de los años que duraron las obras.
Fue Sixto IV quien ordenó en 1477 la restauración de la Capilla Magna, dándole a esta su nuevo nombre (Sixtina), pero en los siguientes 30 años, cuatro papas más ostentaron el cargo, querie ndo cada uno de ellos dejar impreso su nombre a través de la historia. De esta manera, se encargó el trabajo de decorar y pintar la capilla a varios artistas de renombre, los más destacados Rafael, Botticelli y Miguel Ángel.
El apostol Zacarias con el rostro del Papa Julio II. (Foto: Wikimedia …
Esto llevó a continuos desencuentros entre el artista y el papa, por lo que todo parece indicar que Miguel Ángel utilizó sus conocimientos del movimiento neoplatónico surgido en la Florencia de los Medici que tanto molestaba a la Santa Sede.
Miguel Ángel pintó más de 400 personajes entre los años 1508 y 1512. En algunos de ellos escondió y camufló diferentes mensajes en las que hacía un reconocimiento a las raíces judaicas de la religión cristiana. Algunas de estas claves han salido a la luz después de muchísimos años de investigación; Aquí puedes ver las más significativas.
Aminadab y los cuernos del Diablo (Foto: Wikimedia Commons)
También podemos encontrar a otro curioso personaje realizando un gesto obsceno: Aminadab, que hacía con sus manos la cornamenta satánica. Este dibujo se encontraba sobre el del papa, por lo que se interpreta que dichos cuernos iban dirigidos hacia él. En el brazo de Aminadab también pintó un círculo amarillo, el símbolo de la vergüenza que los hebreos fueron obligados a llevar.
Judit junto a su esclava forma la letra hebrea Chet (Foto: Wikimedia …
Muchos son los simbolismos que se dan a las diferentes representaciones del Génesis pintado por Miguel Ángel; lo que no sabremos jamás es hasta qué punto se hicieron con verdadera intención y cuales son la causas directas de las extrañas teorías sin fundamento por parte de los estudiosos respaldados por las pseudociencias.
Fuentes de consulta: latimes / masalladelaciencia
Testimonio del Holocausto
Exhiben el "arte prohibido" de los campos de concentración nazis
Testimonio del HolocaustoExhiben el "arte prohibido" de los campos de concentración nazis Son dibujos y objetos hechos por prisioneros en Auschwitz, Buchenwald y Ravensbrueck Agnieszka Sieradzka, historiadora del museo, junto a un dibujo.
Foto: EFE VARSOVIA (AP).-
Fotos de 20 dibujos y otros artefactos clandestinos realizados por los reclusos en los campos de exterminio nazi durante la Segunda Guerra Mundial se exhiben ahora en el Museo de Auschwitz y viajarán próximamente a Estados Unidos.Un vocero del museo, Pawel Sawicki, afirmó que la exhibición "Arte prohibido" está ubicada en el antiguo campo de exterminio de Auschwitz I, en lo que fueron los baños, parte del conjunto Auschwitz-Birkenau.Grandes fotos en color muestran dibujos y esculturas hechas por los internos de Auschwitz, Buchenwald y Ravensbrueck, los campamentos de concentración nazis. Más de un millón de personas, en su mayor parte judías, murieron en Auschwitz, el campo de exterminio nazi en Polonia, de 1940 a 1945. En Ravensbrueck, en el norte de Alemania, la mayor parte de los 130.000 recluidos de toda Europa eran polacos. Apenas sobrevivieron 32.000. Al parecer unos 56.000 internados murieron en Buchenwald, en el centro de Alemania.Los dibujos muestran la suerte de los reclusos, escenas de la vida cotidiana y retratos. También hay partes de los cuentos de hadas que algunos reclusos escribieron para sus hijos que dejaron atrás, dijo Sawicki.Otros objetos son un figurín de madera y un brazalete de metal con escenas de Auschwitz, encontrado cerca de un crematorio en Birkenau, tras ser liberado por el ejército soviético en enero de 1945, y un crucifijo procedente de un campamento de mujeres en Ravensbrueck.Cada foto va acompañada por una breve descripción y algunas con unos pocos datos biográficos del artista. "El arte era la fuga de los internos de la brutal realidad", explicó Sawicki.Los objetos son mostrados en fotos para proteger los originales. "Las fotos de alta calidad son un compromiso que nos permite contar la historia de estos objetos de arte sin exponerlos al peligro y estrés de largos viajes", indicó Sawicki al comentar que "será una exhibición itinerante"."Detrás de cada uno de estos trabajos hay una historia conmovedora", explicó´por su parte Agnieszka Sieradzka, historiadora del museo.La exhibición durará hasta noviembre, cuando viajará a Washington y Detroit. Los originales siguen almacenados en Auschwitz.
LA NATURALEZA ES ARTE EN SU VERSIÓN MÁS GENUINA
DESTELLO VERDE
AP Photo
Contrario a lo que puedes pensar, este fenómenos no es algo que solo ocurre en películas. La luz existe en realidad y aparece justo antes de la salida y puesta del sol, y por lo general dura solo un par de segundos. Mientras que los destellos verdes se pueden ver, supuestamente, en cualquier lugar, es más probable poder apreciarlo desde la costa mirando al mar.
Ocurre cuando la luz del sol se filtra entre la atmósfera, similar a cómo una luz brilla por un prisma. Los rayos de luz siguen la curvatura de la Tierra, y los colores de frecuencias más bajas como el rojo o naranja se dispersan antes que aquellos de frecuencias altas, como el verde o azul. Como resultado, los últimos colores son visibles cuando los otros se dispersaron detrás del horizonte, creando el llamado destello verde.
Una de las mayores auroras boreales filmadas
Estas imágenes fueron tomadas en Kirkenes y el parque nacional Pas durante una semana a temperaturas rondando los 25º centígrados bajo cero.
Sobran las palabras ante este espectáculo de la naturaleza.
www.allpe.com
Medioambiente.org
lunes, 24 de octubre de 2011
Alicia de Arteaga | LA NACION
Artes plásticas / FIAC 2011, en el Grand Palais
París quiere ser el centro de los negocios del arte en el mundo
PARIS.- Con la presencia de 168 galerías de 21 países y obras de 3000 artistas, se inauguró en el Grand Palais la 38ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC). La gigantesca nave de vidrio y acero construida para la Exposición Universal de 1900 entre el Sena y Champs Elysées no puede ser más imponente. Un marco de excepción para la crema de las galerías globales.
Están los grandes nombres, como Gagosian, Ivon Lambert, Lisson, White Cube, Marian Goodman, Hauser & Wirth, Tornabuoni y Denise René, entre otros, que marcan el pulso internacional del mercado, más una anémica presencia latinoamericana: dos galerías de México y tres de Brasil: Luisa Strina, Vermelho y Luciana Brito, todas de San Pablo. Ninguna de la Argentina.
La selección de obras es digna de un museo, o de una bienal, si se piensa en las atrevidas propuestas de Maurizio Cattelan y Thomas Hirschoorn, más el increíble montaje que ha ideado Karl Lagerfeld, diseñador de Chanel, para la galería suiza Gmurzynska. Unas modelos flacas como spaghettis se pasean por el stand donde el germano Karl ha colgado también sus fotografías.
Las galerías han llevado obras emblemáticas de Lucio Fontana, Alighiero Boetti, Jesús Soto, Ernst Kirchner, Daniel Buren, Basquiat, Picasso, Miró, Dubuffet y Le Parc. Para los coleccionistas aggiornados están los nombres que marcan la tendencia: Allora & Calzadilla, Tracey Emin, Mona Hatoum, Anish Kapoor, Bill Viola, Thomas Ruff, Murakami, Demian Hirst y algunas sorpresas, como las obras de la escocesa Giorgia Rusell y del francés Florian Pugnaire. Los precios van de los ¤ 5000 a los ¤ 5 millones que vale una pintura del haitiano, o los ¤ 2 millones de una "farmacia" de Demian Hirst.
El visitante descubrirá obras de dos argentinos: las acuarelas de Jorge Macchi, en una galería suiza, y un casco intervenido por Adrián Villar Rojas, en la galería mexicana Kurimanzutto. Villar Rojas es el enfant gaté del circuito internacional. Representa a nuestro país en la 54ª Bienal de Venecia y es el autor de la inmensa escultura instalada en el Jardín de las Tullerías. Descubierto en una edición de Curriculum 0 de galería Ruth Benzacar, integró el programa de residencia de Sam Art Projects, una fundación filantrópica francesa del grupo Auchan.
En el otro extremo: la FIAC quiere ser europea, internacional y jugar en primera. Jennifer Flay, la joven directora artística de la feria, confió a la prensa que esta edición es "más chica y mucho más selectiva". "Ha sido duro dejar muchas buenas galerías afuera, pero este año no teníamos los metros anexos del Louvre, que está en remodelaciones, y había 650 solicitudes", aclaró.
Entre los grandes ausentes están las galerías madrileñas, salvo Elvira González con su entusiasmo manchego. Los españoles están más atentos a la evolución de las finanzas que al convite del ruedo parisino.
Estar en la FIAC cuesta ¤ 37.000 el stand, más seguros, traslados, invitados vip, etc. Es el precio que deben pagar las galerías para ser parte de la "reconquista" del mercado, porque París quiere volver a ser el gran centro de los negocios de arte, de la legitimación y difusión de artistas, como lo fue en los albores del siglo XX, cuando despegaron las vanguardias y los coleccionistas descubrieron el genio de Braque, Picasso y Matisse. Una flota de Audis con el logo de la FIAC traslada a los invitados vip; la mayoría son coleccionistas y amigos de museos interesados en acrecentar las colecciones con impulso privado, según el modelo Matching Funds, que instaló Mauro Herlitzka en arteBA.
Para lograr posicionarse en el ranking mundial de ferias, la FIAC deberá competir con el relojito suizo de Art Basel y con la ascendente Frieze de Londres, que la semana última exhibió la insolente prosperidad de los marchands ingleses.
En medio de la crisis financiera internacional, y con la tasa de desempleo más alta de los últimos 17 años, entre la feria y las subastas de Christie's, Sotheby's y Phillips los británicos vendieron obras de arte por valor de US$ 500 millones.
Pareciera que el arte se mueve por un carril separado y canaliza el dinero de los nuevos ricos del mundo, que son los rusos y los chinos. Frieze nació por un grupo de jóvenes en 2003. Creció al abrigo de referentes como Nicholas Serrota, director de la Tate Modern. Hoy es un éxito. En cuatro días de feria, los galeristas facturaron US$ 350 millones de dólares, según la agencia Bloomberg.
Empresarios rusos como Roman Abramovich, dueño del equipo Chelsea y de una galería en Moscú, prefieren comprar en Londres, donde tienen su base de operaciones y fronteras "más abiertas". Para compensar, París tiene su "task force" del arte contemporáneo con tres jugadores fuertes: François Pinault (Christie's, Printemps y Gucci), Bernard Arnaud (Grupo Louis Vuitton) y, el último en llegar, Guillaume Houze, dueño de las Galeries Lafayette, principal sponsor de la FIAC.
En un sector especial, la feria exhibe las obras de los finalistas del premio Marcel Duchamp. El ganador será anunciado hoy por el director del Pompidou, que entregará el premio de ¤ 35.000 más una muestra en el prestigioso centro.
domingo, 23 de octubre de 2011
sábado, 22 de octubre de 2011
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