El pueblo chino dedicado a copiar obras de arte famosas

Jill McGivering

BBC

Las ventas prosperaron en Dafen durante años, pero el mercado está cambiando.

El pueblo de pintura al óleo de Dafen es una de las atracciones más importantes de Shenzhen, una importante ciudad en el sur de China, conocido tanto entre los visitantes locales como extranjeros.

Dafen construyó su reputación gracias a la habilidad de sus 5.000 artistas estimados y sus capacidades para pintar copias baratas y bien hechas de obras occidentales famosas.

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Pero en el último año, incluso el mercado de las copias de obras de arte ha empezado a sentir el impacto de la desaceleración económica global.

Muchos de los pintores están encontrando formas para adaptar sus pinceladas a los cambios en la demanda, al reflejar un cambio económico más general en una forma muy visual.

Laberinto de pinturas

Apenas el visitante entra a Dafen lo sabe: a unos pocos minutos a pie de la calle principal empezarán a aparecer óleos por doquier.

Están desplegados desde el piso hasta los techos en cada almacén, en un laberinto de callejones.

En el pasado, los artistas de Dafen producían copias y copias de obras de arte occidentales famosas. La mayoría eran enviadas a compradores en Europa, especialmente Alemania, y en Estados Unidos.

Todavía hay versiones expuestas de Van Gogh, Monet y otros, muchos en marcos cubiertos de oro.

Pero ahora los productos principales europeos están siendo reemplazados por arte tradicional chino.

Gran caída

El pueblo de pintores de Dafen

• Localizado en el distrito Longgang de Shenzhen, apenas al norte de Hong Kong
• Área: 0,4 kilómetros cuadrados
• Habitantes: 300
• Un artista de Hong Kong empezó un taller en el pueblo en 1989
• El gobierno local comenzó a promover la industria de pintura al óleo en 1998

Fuente: página de internet del pueblo de pintura al óleo de Dafen

Ye Jianhong tenía un taller con 500 artistas. Y entonces llegó la crisis económica global.

Él ahora ha reducido el número de sus empleados a unos 30 y, además, se ha visto obligado a trabajar en ventas para aumentar sus ingresos.

Habla conmigo en un almacén bien abastecido. En una pared hay una pequeña selección de reproducciones occidentales.

Muchas de las obras, sin embargo, son lienzos a gran escala de lagos nublados, pagodas y escarpadas montañas, retratos de niños chinos pícaros o bellezas chinas que posan con aire de superioridad.

"Acostumbrábamos a exportar mucho a mercados en el exterior", dice.

"Pero ahora hay una gran caída en ventas. Así que estamos enfocándonos en el mercado doméstico chino. Los chinos se están volviendo más y más ricos".

Señala, entonces, un montón de pequeños lienzos. Un artista podía pintar habitualmente 10 de esas copias al día.

Pero ahora les está pidiendo a sus artistas que se tomen su tiempo y mejoren la calidad de su trabajo.

Esa historia me la repitieron una y otra vez artistas de todas las edades y estilos.

Fue difícil verificar las cifras generales, pero el artículo de un periódico local dice que las exportaciones cayeron más de 50% en la primera mitad de este año.

Colores brillantes

Más adelante, en un callejón, me choqué con Weng Yuguo, un joven de 27 años con estilo, pelo de punta y pendientes de moda. Llegó a Shenzhen de su natal isla de Hainan y ha estado pintando desde que tenía 16.

Ahora los productos europeos están siendo reemplazados por arte tradicional chino.

¿Su especialidad? Bodegones clásicos occidentales de flores en urnas griegas.

Cuando lo vi por primera vez él estaba colgando en la pared un retrato húmedo de amapolas, recién terminado. A su alrededor había otros ejemplos de su obra.

Dijo que se demoró unos tres días pintando cada uno.

"Antes tenía clientes occidentales", me dijo. "Ahora todos mis clientes son chinos".

Hizo una pausa y pasó de observar sus amapolas húmedas a los tonos algo depresivos de las flores clásicas.

¿Hay alguna relación entre el cambio en el poder de compra global y su gama de obras?

"Hay una diferencia en el gusto", dice finalmente.

"Diría que los occidentales prefieren pinturas clásicas que tienden a ser muy oscuras. A los chinos les gustan los colores brillantes".

ZORBA EL GRIEGO (sirtaky)

Edward Yudenich - 7 years old conductor.mpg

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Los estudios de anatomía de Leonardo, casi tan buenos como el 3D

Robin Banerji

Sólo la tecnología 3D y de imagen y movimiento ha podido superar a Leonardo

A lo largo de su vida, Leonardo da Vinci hizo miles de anotaciones y dibujos sobre el cuerpo humano, algunos de los cuales se exhiben a partir de esta semana en las galerías del palacio de Buckingham, en Londres. ¿Pero qué tanto se acercó el genio del Renacimiento a la realidad?

Da Vinci quería entender cómo estaba compuesto el cuerpo, y cómo funcionaba. Entre 1507 y 1511, el artista trabajó en la universidad de Pavía con el profesor de anatomía Marcantonio della Torre, lo que le garantizó acceso a numerosas autopsias.

Pero al momento de su muerte en 1519, el gran tratado que planeaba escribir sobre la materia estaba incompleto y sus documentos quedaron sin publicar. El hecho de que sus anotaciones estuvieran hechas en su característica escritura "de espejo" sugieren que no estaba listo para darlas a conocer a la comunidad científica.

Anatomistas clínicos consideran que el trabajo de Leonardo estaba muy adelantado a su tiempo y que en algunos aspectos podría ayudarnos a entender el cuerpo incluso en la actualidad.

¿Cómo se comparan estos dibujos, hechos hace más de 500 años, a lo que la tecnología de imágenes digitales puede decirnos hoy?

El cráneo

Fotos cortesía de la Royal Collection y el radiologista Richard Wellings, UHCW

Por ejemplo, en un cuaderno de 1489 hay una serie de dibujos meticulosos del cráneo humano.

Da Vinci corta el frente del rostro para mostrar lo que hay debajo. Es difícil cortar estos huesos sin dañarlos. En otros documentos figura un dibujo de los cuchillos que utilizó.

Según Peter Abrahams, profesor de Anatomía Clínica de la universidad de Warwick, en el Reino Unido, la imagen del artista es tan exacta como la que pudieran producir artistas científicos hoy en día.

Señala Abrahams que los pequeños huecos que figuran en la imagen de Leonardo "son absolutamente correctos desde el punto de vista anatómico".

"Leonardo fue un observador y un científico experimental meticuloso. Dibujó lo que vio y tenía la habilidad de dibujar lo que veía en forma perfecta", dice.

El torso

Fotos cortesía de la Royal Collection y el radiologista Richard Wellings, UHCW.

De acuerdo con el profesor Abrahams, la parte superior de este dibujo del torso constituye una observación muy exacta.

El hígado, por ejemplo, aparece en el lugar correcto, justo abajo del seno de la mujer. Su tamaño sugiere que es posible que la "modelo" sufriera de alguna enfermedad hepática.

Sin embargo, más abajo en la gráfica hay algunos problemas. Abrahams dice que el dibujo del útero es incorrecto. La imagen le recuerda a lo que puede apreciarse en animales como las vacas.

Es posible que, dada la dificultad para obtener cadáveres femeninos, da Vinci usara el conocimiento que había obtenido de la disección de animales para ayudarse a comprender el cuerpo humano.

La columna

Fotos cortesía de la Royal Collection y el radiologista Richard Wellings, UHCW.

Se cree que el dibujo de la columna vertebral que se muestra aquí es la primera descripción exacta de esta parte del organismo en la historia de la humanidad.

Según Peter Abrahams, da Vinci capturó perfectamente la delicada curva e inclinación de la espina dorsal y la forma en que las vértebras encajan las unas en las otras.

Este dibujo en sí mismo le hubiera asegurado al artista italiano un lugar en la historia. Pero se trata sólo de uno en una serie de dibujos con los que amplió las fronteras de la ciencia. Leonardo diseccionó y escribió sus observaciones sobre cada hueso en el cuerpo humano, excepto los del cráneo.

Para el profesor Abrahams, las habilidades de da Vinci como arquitecto e ingeniero lo ayudaron a deducir cómo funciona realmente el cuerpo.

"Esta visión mecánica sólo se ha vuelto popular en el campo de la cirugía en los últimos 50 o 60 años", dice.

El embrión

Fotos cortesía de la Royal Collection y el radiologista Richard Wellings, UHCW.

A pesar de que deseaba dibujar el cuerpo a la perfección, Leonardo estaba casado con ciertas ideas que había heredado del Medioevo. Por ejemplo, pensaba que el sistema reproductivo humano se parecía al de las plantas.

"Todas las semillas tienen un cordón umbilical que se rompe cuando la semilla alcanza la madurez", escribe Leonardo.

En la foto se ve un embrión dibujado por él. El útero aparece abriéndose como los pétalos de una flor.

Cuando murió, sus detallados dibujos quedaron en manos de su asistente Francesco Melzi. Pero observaciones revolucionarias, como el flujo de la sangre hacia el corazón, se perdieron para siempre.

Anatomistas como el profesor Abrahams creen que el trabajo de Leonardo estaba adelantado a su tiempo al menos 300 años. Dicen que sólo recientemente, gracias a la tecnología 3D y a las imágenes en movimiento, ha sido posible dar un paso más allá de lo que lograron el ojo y la mano de Leonardo.

Un presente de mi querida compañera y amiga: La Gata Coqueta, gracias María del Carmen!!!

Por el arte de la amitad hago también entrega de este presente, pensado y creado con el tacto del cariño, para todos los amigos que pasen a visitar estas mis Mis caricias del alma.

La tecnología y el arte: una combinación para labrar el futuro

Eyal Gever

Escultor digital en 3D israelí, para BBC

Eyal Gever crea esculturas en 3D con una impresora.

Piense en la palabra arte. ¿Qué le viene a la mente? Quizá Picasso, Rodin o Dalí.

Ahora piense en tecnología, y probablemente se imaginará un teléfono inteligente o una computadora.

Actualmente estas dos disciplinas, aparentemente distintas, están más relacionadas que nunca, siendo la tecnología una fuerza fundamental en el desarrollo y evolución del arte.A lo largo de la historia, la tecnología ha ofrecido nuevas herramientas de expresión a los artistas.

En todo el mundo, hay gente diseñando nuestro futuro. Internet, la fabricación digital, la nano y biotecnología, automodificación, la realidad aumentada o virtual, "la singularidad"... lo que sea, todo esto está alterando nuestras vidas y nuestra visión del mundo y de nosotros mismos.

El fotógrafo Spencer Tunick es famoso por sus imágenes de personas desnudas.

Los científicos, programadores de software informático, inventores, emprendedores y también músicos, artistas visuales, directores de cine y diseñadores están ocupados creando nuevas experiencias humanas.

Gracias a ellos, no sólo se está haciendo un arte original en todas partes, sino que formas de arte completamente nuevas también están evolucionando.

Cada vez más artistas empujan los límites del arte, mirando más allá de lo que se considera "tradicional" para incorporar otros aspectos en su trabajo.

El arte se está haciendo cada vez menos estático, adoptando muchas formas diferentes, desde la impresión de esculturas creadas digitalmente en tres dimensiones hasta flashmobs, pasando por fotógrafos que retratan a cientos de voluntarios desnudos en la playa.

El poder de la red

Y las reglas del juego también están cambiando.

Desde el comienzo de la era del arte postmoderno, allá por la década de 1860, los actores más influyentes –artistas de renombre, curadores de museos, críticos de arte, promotores de ferias de arte y, sobre todo, poderosos propietarios de galerías- han dictaminado el comportamiento del mundo del arte.

Ollie Palmer creó una máquina para controlar el efecto de la feromona sobre hormigas.

Pero las formas modernas en que se está creando, produciendo, distribuyendo, comercializando, preservando y apoyando el arte han cambiado, como reacción directa a la transición a una sociedad digital conectada: la era de internet.

Tradicionalmente, los artistas acudían a las galerías con sus obras y la galería decidía si el material era lo suficientemente bueno para ser expuesto.

Ahora, acuden a internet para exhibir y vender su trabajo.

Con nuevos servicios como el fenómeno del crowdfunding (financiamiento colectivo), por primera vez los artistas son capaces de recaudar dinero en la web para realizar sus ideas.

Sólo en 2011, el sitio de internet de crowdfunding Kickstarter recaudó casi US$100 millones en compromisos para más de 27.000 proyectos relacionados con el arte.

Los artistas utilizan las redes sociales como una poderosa herramienta para modificar la relación entre los coleccionistas y el público, identificando con éxito a personas que buscan piezas de arte específicas.

Las esculturas creadas en 3D son muy diferentes a las del llamado "arte tradicional".

Posiblemente, el mercado tradicional del arte -coleccionistas, propietarios de galerías, críticos, curadores e incluso otros artistas- puede cuestionar que el artista que utiliza internet para la promoción de su trabajo sea un verdadero profesional.

Pero cualquiera que sea la reacción, el cambio ya está ocurriendo y es demasiado importante.

El mercado del arte lo asumirá y se acostumbrará a ello, como siempre sucede.

¿Arte verdadero?

A lo largo de la historia y hasta hace poco tiempo, era una élite la que participaba sobre todo en el desarrollo y creación del arte, mientras que el resto de la sociedad simplemente disfrutaba de las obras maestras.

El público era un mero observador pasivo.

Hoy día, en nuestro mundo conectado, casi toda la gente crea.

Con internet y las nuevas tecnologías de fabricación, mezcla, edición, manipulación y distribución, se facilita crear cosas y compartirlas con el mundo.

Lo que está cambiando, y puede ser que -discutiblemente- para peor, es que ahora es más fácil crear "arte" y vemos una gran cantidad de arte "malo" que se crea y se expone.

Cada año se exponen proyectos artísticos y tecnológicos en la World Maker Faire.

Una gran preocupación es que, como resultado de tantas herramientas y técnicas nuevas, podamos perder el sentido y la habilidad para evaluar qué es arte de buena calidad.

En arte, lo que se hace popular no es necesariamente bueno - y viceversa. Muchas ideas y trabajos artísticos nuevos fueron difíciles de digerir cuando aparecieron por primera vez.

En mi opinión, los artistas tienen ante sí el desafío de, al mismo tiempo, estar más abiertos a las nuevas tecnologías que conducen a nuevas formas de expresión y mantenerse verdaderamente creativos e imaginativos.

Pero aún sí, no hay límites. Y conforme la tecnología -especialmente la informática- continúe progresando, siempre habrá personas dispuestas a experimentar, intentando superar el límite de lo que se ha hecho previamente y que serán excelentes en ello.

El curador Hans Ulrich Obrist, codirector de la galería Serpentine, dijo una vez: "No creo que podamos predecir o prescribir el futuro del arte. Es el famoso 'sorpréndame' de Diaghilev y Cocteau; el gran arte siempre nos sorprende, nos lleva al lugar menos esperado".

Rumbos atrevidos

El arte y la tecnología siempre han estado relacionados.

Por tanto, ¿en qué necesitan pensar los artistas centrados en crear arte utilizando tecnología?

Un ingeniero de software gráfico, Rama Hoetzlein, dice que los artistas "de los nuevos medios" actuales tienen que pensar no solamente en las herramientas del presente, también deben establecer un diálogo con los artistas del pasado, que a la vez nos persiguen y nos desafían para que ascendamos sobre lo mundano.

Creo que cualquier artista moderno necesita acordarse de impulsar el arte hacia delante, inventar, definir nuevos paradigmas de expresión con poderosos significados.

Se trata de la experiencia que el artista le proporciona al público, ya sea con provocación o para cambiar la forma en que el espectador piensa, siente y percibe el mundo.

Esto es lo que realmente cuenta y no tiene nada que ver con las técnicas que el artista elige.

Por tanto, el objetivo de un artista contemporáneo que se decante por crear arte con las nuevas tecnologías no tiene que ser "extraer" significado de la plataforma tecnológica sino emplearla como base para su nuevo y audaz rumbo.

Y en mi opinión, el arte que sobrepasa los límites y define nuevos significados es el que transformará la forma como pensamos y sentimos, en la actualidad y en el futuro.

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